Las imágenes mentales

Se hace evidente que la imagen corporativa de una empresa, no está dentro de un entorno físico, sino que se encuentra en una especie de «memoria latente» dentro del imaginario colectivo de la gente. Acerca de esto Joan Costa nos dice:
 «La imagen de empresa es la representación mental, en el imaginario colectivo, de un conjunto de atributos y valores que funcionan como un estereotipo y determi­nan la conducta y opiniones de esta colectividad».

Este efecto en la mente de los receptores es causado por diversas causas: percep­ciones, inducciones y deducciones, proyecciones, experiencias, sensaciones, emo­ciones y vivencias de los individuos, luego éste de forma directa o indirecta logra unirlas generando, de esta manera, la imagen institucional de la empresa. Ahora, este fenómeno en las palabras de Costa:

«Cuando la huella o recuerdo que deja esta síntesis mental que es la imagen, tiene suficiente intensidad (racional, emocional o utilitaria); adquiere su capacidad de implicación psicológica, que afecta al individuo mismo que la configura y la retiene en su mente. Se convierte así en una imagen-estereotipo de la conducta. Que está dispuesta a reaccionar cuando es estimulada por la empresa, ya sea en forma de mensaje y de actos, o por el individuo mismo a través de decisiones, acciones, convicciones y opiniones»

«Tipografía como imagen. Evolución tipográfica en Argentina»

Nuestra propuesta de tesis surge de pensar porque y como fue evolucionando la tipografía como imagen y que  sucede con su  incorporación en la televisión.

Como primera instancia nos encontramos con un mundo que solo esta expresado desde la técnica, desde el oficio. Al ser esta técnica un recurso actual que nace del mundo del hacer, de la prueba y error del operador, no existe un corpus teórico que sirva de referencia para poder ver y tener en cuenta las características y los modos de trabajar.

Por lo que, lo primero que nos propusimos fue profundizar en los aportes teóricos que contribuyen a entender la adopción de este recurso,  y generar aportes propios (realizados en base a las entrevistas e información recaudada de diversas fuentes) en los que se explicite que es y cuales son las maneras en que se puede trabajar la tipo imagen en el mencionado medio.

Ellos nos cuentan cuales son las modalidades proyectuales que se deben llevar a cabo para trabajar la tipografía en movimiento.

Para la realización de los aportes teóricos referidos a la tipo imagen en movimiento seleccionamos diez estudios nacionales que trabajen para un mismo canal, ya que:

-Se requiere observar como los diferentes estudios resuelven con el mismo recurso tecnológico, una misma identidad pero contando y persuadiendo de maneras diferentes

Optamos por canal «Fox», ya que:

-Tanto su identidad como sus Id´s tienen un amplio trabajo tipográfico, utilizando como recurso primordial la tipografía en movimiento.

-Es un canal internacional, por lo que se podrá observar diferentes resoluciones para diferentes culturas, de una misma identidad, pero sometida por estudios de índole nacional.

Como segunda instancia, una vez que tengamos esta información, la cual la utilizaremos como aportes teóricos propios y toda una base teórica sobre los hitos que hacen a la  evolución de la tipografía imagen, nos detendremos en realizar una comparación de lo que por un lado, es la tipo imagen estática, y por otro, la tipo imagen en movimiento para rastrear cuales fueron las continuidades y cuales las rupturas de la técnica con el cambio de soporte y tecnología, con lo cual tendremos un análisis de dicha evolución desde lo estático al movimiento.

Por lo que nuestra investigación será de tipo comparativa/evolutiva.

A raíz de esto conjeturamos que:

-          Con la incorporación de la tipo-imagen en la televisión se producen cambios en la sintaxis visual y sonora, en el uso del tiempo/espacio/movimiento y en los procesos de codificación consiguientes, por lo que producen cambios importantes en las formas de producción y percepción.

-          Existen escasos aportes teóricos que den cuenta de este cambio, dada la velocidad de adopción de tecnología y su testeo constante  por parte de los diseñadores. Por ende, se requiere indagar sobre esta transformación.

La importancia de conocer la audiencia y el mercado

En su conferencia «Definiendo a la Audiencia», Jorge Frascara nos explica acerca de la segmentación de la audiencia:

«Comunicaciones genéricas, que intentan llegar a todos, llegan sólo a pocos, particularmente cuando se quiere afectar el conocimiento, las predisposiciones o las conductas de la gente. La eficacia comunicativa requiere la definición de una audiencia que sea substancial, alcanzable, reactiva y mensurable. El campo de trabajo y maestría del diseñador gráfico –centrado tradicionalmente en el lenguaje de la visión– debe extenderse para abarcar la comprensión de los diferentes lenguajes, necesidades, percepciones y valores culturales del público».

Es imposible concebir principios universales para el diseño de formas, cada mensaje se dirige a un público específico con determinadas competencias lingüísticas y visuales, una cultura particular, un contexto histórico único, problemáticas socio-culturales diferentes, e infinidad de otros aspectos que generan grandes divisiones en el mercado. Por esta razón es necesario conocer con exactitud el perfil de nuestro público para lograr concebir y construir mensajes y acciones que lleguen a esa audiencia y que generen un su pensamiento y en sus acciones la respuesta deseada.

Para poder establecer esta comunicación es necesario contar con una audiencia: substancial, es decir, un público lo suficientemente importante para llevar a cabo una campaña y obtener réditos económicos; alcanzable, evaluando los medios que más frecuenta la audiencia elegida; reactiva a los mensajes, receptores permeables; y finalmente una audiencia mensurable, para poder evaluar los efectos producidos por la comunicación ya efectuada.

Frascara propone algunas técnicas de segmentación de mercado que varían de acuerdo a tres dimensiones básicas: geográfica, que consta en diferenciar de acuerdo a países, o regiones dentro de un mismo país o diferentes grados de urbanismo, etc; demográfica, teniendo en cuenta diferentes indicadores demográficos como la cantidad de habitantes, sexo, edad, religión, etc; y por último la dimensión socio-económica, atendiendo a niveles económicos, educativos, profesionales, etc. Otro tipo de segmentación también propuesta por este autor es la de considerar características sociológicas a la hora de segmentar la audiencia, tener en cuenta variables como: objetivos, valores, expectativas que predominan en determinado grupo social.

«Definiendo a la Audiencia», Jorge Frascara

Variables gráficas: distinción, jerarquización y soporte

Todo objeto diseñado es, antes que ninguna otra cosa, una información para los ojos. En cualquier caso, la primera información que todo objeto transmite es visual, la cual es codificada a través de las variables gráficas. Las mismas son códigos lingüísticos y visuales utilizados para poder diferenciar, clasificar y acentuar los diferentes tipos de información.

Paul Mijksenaar, en Diseño de Información, nos habla de variables de distinción, jerarquía y soporte: «Se puede comenzar dividiendo las variables en dos categorías: variables jerárquicas, que denotan una diferencia de importancia, y variables de distinción, que denotan diferencias de tipo».

Las variables jerárquicas se pueden expresar mediante el tamaño y la intensidad, y las variables de distinción mediante el color y la forma; además existen elementos visuales (soporte) de ayuda, como áreas de color, líneas y cuadros, cuya función es acentuar y enfatizar.

Combinando las variables, se genera un amplio abanico de posibilidades en cuanto a composiciones para una representación de un mismo objeto; la elección de la combinación adecuada dependerá del sentido y la función que se le quiera aportar a la pieza. 

En los soportes masivos, son utilizadas para guiar la lectura, sin pausas innecesarias para poder interpretar una información, que solo con una buena esquematización pueda ser comprendida, utilizando, en nuestro caso, como base de distinción y jerarquización, el logo del canal, para luego, con diferentes variables jerárquicas y de distinción insertar las diferentes categorías de información para que no haya lugar a una confusión.

Fuente

«Diseño de Información» Paul Mijksenaar

Muestra «Lado B»

http://www.facebook.com/event.php?eid=109529555780478

 

Positivo y negativo, blanco y negro, «lado a» y «lado b». Una muestra de trabajos realizada por estudiantes de diferentes áreas del diseño, artistas visuales, no reconocidos como tales, exhiben su dominio y competencia en la línea y trazo, así como en las formas.

El nombre «lado b» proviene de la denominación de los tipos de canciones convencionalmente ubicados en cada lado del disco, siendo el lado A la canción principal, aquella que el productor del disco pretende que obtenga rotación en las estaciones de radio y con el tiempo se convierta en hit, y lado B a las canciones secundarias que no suelen aparecer en el albúm y que sirve como material inédito para promocionar la venta del disco, rellenar el espacio, pero al cual se le aporta una importancia secundaria.

Generalmente, en lo que es nuestra profesión, no hacemos lo que queremos, sino lo que se nos pide o necesita; mostrando nuestros trabajos, con la mirada de lo que el cliente o el cuerpo académico desea; y nuestras verdaderas pasiones / virtudes quedan despojadas, sin importancia; motivo por el cual se creo «lado b».

Desestructurados, informales, bizarros; no es casual que «lado b» sea una armoniosa combinación de arte con diseño, o como lo llaman algunos, arte clásico con arte contemporáneo. Un grupo de diseñadores (o casi) dispuestos a mostrar sus pasiones, alejadas de lo académico, sin pautas ni pretensiones, solo buscando expresarse visualmente.

Evolución de los títulos de cine y animación

Los títulos de cine son la unión de el arte de la cinematografía, diseño grafico y cultura.

Las primeras apariciones de los títulos de cine remontan a los tiempos del cine mudo, en donde las letras y las palabras juegan un rol fundamental, al igual que los títulos internos, los cuales ayudaban con la continuidad narrativa del guión.

En el año 1916 D.W. Griffith creo el film «intolerancia», que para muchos críticos es considerada la mejor película de cine mudo; 5 variaciones tipográficas que componen la pieza, alterando los pesos visuales, haciendo énfasis en la palabra «intolerancia» a partir del tamaño y fuente. Letras blancas sobre fondo negro (la mejor resolución para el tipo de proyector de la época).

Ya en la década de 1920 se comenzó a contratar a los llamados «artistas de la letra» y tipógrafos en la producción de títulos y tarjetas, los cuales comenzaron con la búsqueda de una coherencia entre la forma de la tipografía, con el tema y el espíritu de la época.

En 1906 S. Blackton, es uno de los primeros en recurrir a la animación para los títulos de cine, pero lo cierto es que las grandes innovaciones en animación no aparecen hasta mucho después de la Segunda Guerra Mundial.

Diferentes estilos, para diferentes significaciones; góticas para connotar horror, cintas y flores sugiriendo amor y tipografía tipo «wanted» para las películas del lejano oeste.

La incorporación del audio no revoluciono la forma de manipular los títulos (no inmediatamente).

Sin embargo, en aquel momento Oskar Fischinger, crea un film, en el cual se observa una subordinación del ritmo visual en base al sonido.

Figuras como Saúl Bass, Pablo Ferro, Maurice Binder y Richard Williams llegaron a escena en la década de 1950, momentos en los cuales, los estudios empezaban a perderse con la lucha de la TV.  En este momento, los cineastas actuaron de otra manera para hacer las cosas diferentes, extendiéndose completamente sobre nuevas ideas en cuanto a posibilidades en secuencia de títulos; en este momento nace la disciplina del diseño de secuencia de títulos de película.

Ya en 1960 los diseñadores de títulos fueron famosos por derecho propio; los mismos le aportaban un nuevo estilo, un tanto juguetón.

Saúl Bass, narrador y dibujante, recorrió toda la gama de técnicas para sus secuencias de título, y sea cual fuera la técnica que utilizaba, bajo resumen de la película como una metáfora que a menudo, brillaba de creatividad.

Luego, se comenzó a aportar mas importancia a las imágenes que a la tipografía; pero, la interacción de la tipografía con las imágenes no era ignorada. Las nuevas tendencias de 1950 fueron letras tridimensionales incrustadas en artefactos físicos.

Saúl Bass fue el que se acerco a utilizar un título principal (especie de logotipo).

En 1990, gracias a innovaciones tecnológicas, se pudo ver una nueva generación de diseño, lectura y escritura, llevada a cabo por creativos conocedores de la tecnología, dada por una mayor educación.

El titulo revolucionario después de esta innovación, fue «Se7ven» en 1995 por Kyle Cooper; fue nombrada como una de las innovaciones de diseño más importantes de la década de 1990.

El potencial de la gráfica digital y la tipografía ha atraído a algunas de las mentes más creativas de diseño en movimiento. Pixar y Disney han reservado parte crucial en la marca de sus películas para las secuencias de título.

Diseñadores gráficos como Susan Bradley, Jaimi Caliri, Dave Nalle, Michael Riley y Michael Curtis, bajo el uso de todo tipo de herramientas para probar diferentes enfoques para el diseño de títulos. Buscan una metáfora fuerte, para contar una historia emocionante con sus secuencias.

Por lo que, a lo largo de la historia del cine, películas han ido evolucionando con la industria cinematográfica, pero la medida de la calidad de un diseño de titulo, es el mismo ahora como lo era en la época del cine mudo. Sea cual sea la función que realizan, los títulos siguen siendo una parte esencial de la película.

Como diseñadores, sabemos que los primeros momentos del film pueden hacer una contribución muy satisfactoria para cualquier película y esta en nosotros saber explotarlos.

FUENTE

http://www.smashingmagazine.com/2010/10/04/the-art-of-the-film-title-throughout-cinema-history/

En pocas palabras ...

En nuestra propuesta de tesis, se parte de una investigación del pasaje evolutivo de las aplicaciones tipográficas creativas como expresión artística, desde la tipografía como imagen estática a la tipografía como imagen movimiento.

Como objetivo central se planteó rastrear las continuidades y rupturas entre las mismas.

Al nacer desde el mundo del hacer y estar en plena expansión, no existe una base teórica vinculada a la tipografía como imagen en movimiento; por lo que, se realizará un análisis comparativo y evolutivo con respecto a la tipografía como imagen estática, la cual estará pautada conceptualmente en nuestra base teórica realizada en base a conceptos de teóricos que ya ahondaron en el tema; y en lo que respecta al análisis de la tipografía como imagen en movimiento, se analizarán piezas, realizadas en torno a este recurso para televisión (medio en el cual esta en auge el recurso); y luego, con el analisis de las mismas poder observar las rupturas y avances entre los dos recursos.

Lineamientos de la investigación

Desde nuestra tesina nos cuestionamos en que aspectos influyen los avances tecnológicos en lo que respecta a la tipografía creativa.
Nuestra investigación está comprendida por las áreas de diseño tipográfico, audiovisión y tecnología.
Nos proponemos realizar una base teórica sobre la «tipografía como imagen en movimiento», que surge de la interconexión de la «tipografía como imagen» con la audiovisión, gracias a los nuevos avances tecnológicos.

El campo del diseño tipográfico, se investiga porque es la base para las creaciones de «tipografía como imagen». Sobre el diseño tipográfico se analizará diseño de información, morfología del tipo, composición, etc.

Se investiga el campo de la audiovisión, ya que por los avances tecnológicos, la tipografía interactúa en los medios masivos que comprenden la audiovisión, por lo que se analizará el rol de la incorporación del sonido y el movimiento en la «tipografía imagen»; y por último, se analiza el campo tecnológico, mas concretamente, como los avances e innovaciones tecnológicas obligan a la tipografía a insertarse en los mismos, siendo participe y miembro activo de estos cambios, y que la misma, a su vez, sea un fiel reflejo y demostración de este avance / cambio comunicacional.

La investigación culmina con la creación de una base conceptual de esta técnica y de la evolución de la misma, que nace del mundo del hacer, y nosotros la insertaremos en el mundo del saber.

Tipos de planos

A la hora de explicar como debe encuadrarse un plano, expresar la distancia de un sujeto con respecto a la cámara, se utiliza un código que define con abreviaturas estas relaciones, se parte de una unidad de medida que es el hombre para obtener una clasificación de acuerdo a la proximidad o alejamiento de su figura respecto a la cámara (espacio que ocupa en el cuadro)

·  Gran plano general (GPG): el sujeto aparece lejanísimo ocupando una mínima parte del encuadre. A penas se distingue del paisaje.

·  Plano general (PG): el sujeto esta incorporado al paisaje, ocupa una cuarta parte de la altura del cuadro.

·  Plano conjunto (PC): El sujeto esta próximo siendo reconocible.

A los mismos se los denomina como planos descriptivos, en donde el sujeto forma parte de un medio geográfico, como ser: gran plano, en donde el individuo de diluye en el paisaje, manifestando su soledad y pequeñez; plano general, en donde paisaje y persona están en equilibrio, no prevaleciendo uno sobre otro, y plano conjunto, en donde se percibe el sujeto en cuerpo completo realizando acciones.

· Plano americano (PA): se corta la figura por la rodilla. Se mantiene el aire sobre la cabeza.

· Plano medio largo (PML): El sujeto se corta por al cintura

· Plano medio corto (PMC): El sujeto se corta a la altura del pecho.

Se los denomina planos narrativos o medios, los cuales sirven para establecer un dialogo, entre ellos: plano americano, en donde se da una situación real de interlocutor; plano medio largo, muestra acciones del individuo en reposo, y plano medio corto, en el cual,la importancia se centra en el rostro por lo que es un plano expresivo pero con referencias secundarias al cuerpo, la gesticulación es de las manos a la altura del rostro.

·  Primer plano (PP): el sujeto se corta a la altura de las clavículas.

·  Primerísimo primer plano (PPP): La cabeza cierra todo el encuadre.

·  Plano detalle (PD): Sobre la figura humana seria un detalle de su rostro. Por extensión se usa para mostrar una particularidad del sujeto o un objeto aislado.

Se los denomina como planos próximos, cortos o expresivos, en donde la gesticulación pasa por el rostro, abarcan: primer plano, el cual focaliza la expresividad del rostro; primerísimo primer plano, el cual brinda una acentuación dramática, y plano detalle, el cual brinda y aporta un fuerte impacto sobre la toma.

La importancia del sonido en las composiciones para pantalla.

Hablar de sonido en una composición gráfica para una pantalla de televisión, es casi o tan importante como hablar de la imagen misma.

Cuando realizamos las entrevistas a los estudios de diseño nos remarcaron esta afirmación.

Ellos, en la mayoría de los casos, no solo utilizan el sonido para acompañar a la imagen, sino como método de persuasión, pausa, impacto, o para remarcar alguna acción visibilizada en pantalla, duplicando y realzando el sentido de la misma.

Si falla la elección sonora, por mas interesante que sea la composición gráfica pierde fuerza, preganancia, lo que nos lleva a perder el interés por la pieza gráfica, y que la misma no funcione para lo cual fue realizada (comunicar / informar).

Hemos de dejar claro que el tratamiento sonoro significa más de la mitad (50%) de la percepción sensorial del producto audio-visual; es el sonido el que trasmite la esencia de la narración, por lo que, es la imagen la que acompaña al sonido.

Análisis identidad de fox desde la teoría de la gestalt

La teoría de La Gestalt se basa principalmente en el estudio de la percepción.

Considera la forma visual como una estructura. En la misma, se plantea que la percepción visual no es un proceso de asociación de elementos sueltos, sino un proceso integral estructuralmente organizado a través del cual las cosas se organizan en unidades o formas.

Una forma, de acuerdo a esta teoría se caracteriza por ser aislable, destacable, cerrada y estructurada.

Fox plantea su identidad en base a esto, y aquella forma es la letra «O» y la contraforma de la misma, también utilizada como forma. La «O» central de la palabra Fox utilizada como icono, símbolo para recorrer las diferentes piezas gráficas de toda la identidad, como pieza aislada que en un algún momento se une con el todo para terminar de cerrar el sentido; pero que estando aislada se destaca, se percibe como elemento identificador de toda una identidad. Por otro lado, la contraforma utilizada como textura, que por su forma, nos remite a pensar en la letra O de aquella palabra Fox. 

En la ley de la gestalt se plantean una serie de leyes compositivas y las más relevantes para la identidad del canal son:

Ley Figura/ fondo (ley principal), la cual consiste en preveer que zona del campo es más probable que asuma el rol de figura respecto a las otras, las condiciones mas importantes son el tamaño relativo de las partes y los márgenes.

En el caso de la identidad de Fox se toma como figura representativa a la letra «O» y para reforzar su fuerza expresiva se la complementa con su contraforma utilizada como forma, la cual es el ovalo interno, lo cual conforma la nueva estrategia comunicativa del canal.

Ley de proximidad, consiste en agrupar elementos mas próximos entre si. Los elementos próximos tienen a ser vistos como constituyendo una unidad.

Este recurso de la contraforma (fondo) de la «O» se lo utiliza a través de la repetición de estas formas, que próximas entre sí, generan tramas, texturas o sustituyen imágenes de cosas por esta forma, aprovechando que su forma final se asemeja a objetos o cosas de uso diario, lo que permite mantener la identidad, sin caer en la obviedad (sin tener que reiterar que estamos hablando de fox).

En la ley de la semejanza, los elementos tienden a unificarse entre si según color, forma, tamaño, destino en común.

Todas estas formas (contraforma de la «O») las agrupamos porque se parecen entre sí; puede variar el tratamiento estético, color, tamaño o destino común, pero su forma seguirá siendo la misma y se la reconoce como tal, porque a pesar de pequeñas variaciones se las reconoce como un todo porque son iguales o similares entre sí.

Fuente 

Gaetano Kanizsa

Gramática de la visión

Percepción y pensamiento

Eficacia gráfica para la transmisión de información

Joan costa, en «La Esquemática» se pregunta:

«¿Cómo se puede representar visualmente la riqueza del mundo y dominar lo que es invisible?»

El plantea que la eficacia se da por una cuestión de buen diseño, refiriéndose a la construcción narrativa (información gráfica que se puede comprender claramente); lo cual consiste en comunicar las ideas y fenómenos complejos con la mayor claridad, precisión y capacidad de convicción, trasmitiendo la mayor cantidad de datos, con la menor cantidad de gráficos posibles.

Resolviendo todos estos planteos, la información trasmitida, se decodificara por el destinatario en un tiempo mínimo y sin esfuerzo, y el mensaje llegara como lo planteo el emisor.

Estéticamente, los esquemas portan dos valores universales: su dimensión semántica (lo que la imagen «dice»): lenguaje hablado y escrito; y su dimensión estética («como» lo dice), que es el propio producto irreductible de la analogía abstracta trasformada gráficamente. En los esquemas, el color, variables tipográficas,  sensualidad de las texturas, los volúmenes, perspectivas, luces y sombras son valores también semánticos y no solos estéticos, factores movilizadores de la sensibilidad, y por esto mismo, elementos que constituyen el conocimiento.

Claves para, a la hora de crear un spot, mantener la atención del espectador

Como primera medida, una vez definido el concepto requerido, se busca resolver con alguna figura retórica acorde con el mismo, que lo represente, buscando no caer en la obviedad, innovar para persuadir, sin recaer siempre en la misma imagen. De la mano de la figura retórica estará el recurso con el cual se represente, es decir, el estilo estético elegido para resolver el problema. 

Luego de tener en claro concepto/ retórica / recurso, podremos entrar mas en detalle.

Se tiene que pensar la jerarquización de la información, para marcar un orden de lectura que acompañe la narración, imponiendo puntos de atención primarios, secundarios y terciarios, lo que generará diferentes categorías a la hora de la lectura. La misma estará resuelta a través de variables de tamaño, peso, color, estilos, entre otros.

Una vez que esta lista la composición, entramos en el campo de la cuarta dimensión, es decir, sonido y movimiento. Se debe tener cuidado con el movimiento de no ser ni agresivos ni agobiantes con respecto a las transiciones de información, para que la misma pueda ser legible, lecturable, ni muy rápida, ni muy lenta.

Y el sonido, es un complemento que acompaña la pieza final, utilizado para marcar ya sea, puntos de persuasión, de pausa, o solo para acompañar la pieza.

Respetando estos puntos generales, e interrelacionándolos a conciencia podremos mantener al espectador como queramos, y a su vez, introducirle mensajes subliminales sin que el mismo sea conciente.

Aplicaciones tecnológicas sobre la tipografía creativa

Si hablamos de tipografía, la misma tecnología que nos permite ampliar o disminuir desde el cuerpo deseado, cambiar los pesos visuales con extrema fidelidad, nos ha permitido también mutar las formas de las letras en cualquier dirección. La flexibilidad tipográfica ha desembocado en una literal flexibilidad de los tipos. Esto da comienzo al diseño de una tipografía creativa.

Como tipografía creativa definimos a aquella que subordina la forma sobre la función; pero esta forma, adquiere una función diferente de la tipografía convencional: se convierte en una especie de metáfora visual, realizando una intervención gráfica en los signos de modo que comuniquen desde su representación formal. Esta metáfora visual puede aplicarse en composiciones con soporte impreso, digital o digital audiovisual.

A su vez de la intervención gráfica, se pueden aplicar ilusiones visuales con el fin de crear nociones de distancia, contraste, movimiento, profundidad y dirección, aumentando las posibilidades de atraer al espectador, efectivizando la comunicación.

Esta ilusión visual se construye a través del punto, la línea, el plano, el tono y la textura, construyendo este lenguaje expresivo que sigue los principios del diseño basados en las leyes de la composición visual: relación, transición, repetición, oposición, prioridad, posición, equilibrio, contraste y ritmo. Como resultado, se produce una traslación del lenguaje verbal al lenguaje visual en el que interviene la retórica de la imagen.

tv / type

Punteo de algunas cuestiones que se deben tener en cuenta a la hora de trabajar tipografía para una pantalla de televisión.

-         Legibilidad; debido a que estamos trabajando para pantalla, debemos tener en cuenta la distancia y posición del espectador en cuanto a la pantalla, la definición y el movimiento del tipo, por lo que su cuerpo no debe ser muy pequeño, sino que medianamente grande.

-         Caracteres definidos, es decir, deben ser de peso normal o mayor, ya que los finos tienen dificultades en pantalla, el fondo invade las formas.

-         No condensadas, porque los puntos que componen el carácter tienden a unirse, es recomendable utilizar tipos mas equilibrados.

-         En lo posible, caja baja, ya que las ascendentes y descendentes facilitan la legibilidad/ lecturabilidad.

-         No son recomendables las tipografías moduladas ya que el fondo tiende a comerse los trazos más finos.

-         El interletrado (kerning) debe estar equilibrado, aunque cuando jugamos con el mismo podemos reforzar mucho la expresividad de la palabra, lo que si, no hay que abusar del recurso.

-         Contraste figura fondo, debe ser optimo, por lo que se utilizan recursos tales como color, auréolas, sombras, brillos y demás, que despeguen y distingan a los caracteres de su fondo.

-         Los efectos de distorsión aplicados al tipo, pueden afectar seriamente la legibilidad, y si a esto le incorporamos movimiento, se torna casi ilegible; por lo que si se utilizan, deben estar perfectamente controlados, pero no son recomendables.

-         Los tiempos de lectura deben estar pensados conjunto a la distribución de los caracteres en el espacio, generando un recorrido que estructura la información; (si son muy lentos aburre, si son muy rápidos, no se lee).

-         Cambio de escala; es uno de los elementos que nos permite jerarquizar información; permite a su vez, crear efectos de acercamiento / alejamiento.

-         Dirección de la lectura; marca la dirección de la mirada el leer la palabra, por lo que a la hora de incorporar movimiento se debe tener en cuenta que la orientación se basa en este movimiento.

-         Rotación de las palabras; siempre que sea controlada, es válida, puede ser plana, en un eje horizontal o vertical.

-         Transiciones de las palabras en pantalla; posee una entrada a la pantalla, la lectura (este tiempo y forma incorpora un carga expresiva fundamental) y la salida.

-         Sonido; el tipo debe fluir entre las notas, debe bailar esa melodía. Los sonidos enriquecen y hacen más creíble los efectos. Se debe complementar el movimiento de la tipo con el sonido para reforzar el sentido.

-         Si se utiliza una voz en off es importante relacionar esta, con la entonación tipográfica, las cuales deberán acentuar lo que el narrador esta diciendo.

-         La palabra se debe adaptar al contexto al cual esta representando, tanto en movimiento, como en su morfología misma.

-         Elementos complementarios, como líneas, puntos, flechas o signos de entonación ayudan a reforzar el significado, fluir la lectura y facilitar las transaciones.

La tipografía es el mejor recurso del diseñador para trasmitir los mensajes, por lo que debemos ser capas de darle vida para que cuente historias por si sola

tipografía como imagen

¿Cuáles son los límites para considerar a una tipografía como imagen?

Como primera medida, cada estilo tipográfico, cada familia; o dicho de forma más minuciosa, cada grafema, transmite significaciones diferentes. Éstas, fueron pensadas por el tipógrafo, el cual ha dedicado mucho tiempo de su vida en diagramar los «signos» para que carguen de sentido la propia grafía. 

Lo primero a tener en cuenta es la intención, el concepto a transmitir, no sólo desde el mensaje que encierra el texto en sí mismo, si no también desde la composición en general.

Beatrice Warde dice «la tipografía bien utilizada es invisible como tal, así como la voz es el vehiculo invisible para la trasmisión de palabras, ideas»

Cuando se requiere informar sin dispersar la atención del lector, la tipografía debe pasar desapercibida y no jugar ningún papel persuasivo dentro de esta lectura. Tiene que ayudar a que dicha lectura sea llevadera y por sobre todo no canse al lector, ser neutral compositivamente.

En el caso de que se utilice la tipografía como imagen debe persuadir y comunicar.

Es muy conocida y antigua esta frase que dice «una imagen vale más que mil palabras». A mi parecer las palabras tienen mucha fuerza, presencia, significación propia y no creo que en todos los casos una imagen valga más que mil palabras.

El ingreso de cualquier elemento dentro de una composición altera la misma tanto en su sintaxis, como en su recorrido visual, y a su vez, en su significado. Por lo que, es necesario tener mucho cuidado y coherencia en la elección de las mismas, no conviene llenarnos de estilos o fuentes tipográficas que no aportarán demasiado.

La inserción de colores, texturas, luces, sombras y efectos gráficos, combinación de pesos tipográficos, alteraciones de tamaño, aportan diferentes significaciones a un texto, y ya no es solo usado como fuente de información, sino que a su vez de persuasión, seducción. 

Después de plantear esta dualidad, reveo mi pregunta ¿Cuáles son los límites para considerar a una tipografía como imagen?

Considero que va a depender del diseñador, de la composición, el mensaje y el contexto en el cual esta ubicado el mismo; y obviamente los recursos complementarios que utiliza para trasmitirlo.

Imagen como tipografía

«Canal Fox»  |  Caso Serie Glee

La tipografía busca ser funcional, comunicar, transmitir, tanto de manera convencional como experimental.

Cuando hablamos específicamente de «imagen como tipografía», nos referimos a imágenes de cosas, objetos que por su forma, cumplen la función de signos, signos tipográficos, que a su vez, connotan  un segundo significado al ser una imagen de un objeto con un fin diferente para el cual se lo utiliza, es o fue pensado (el solo hecho de cambiar el contexto ya cambia el significado).

Si hablamos específicamente del caso citado vemos como la imagen de la mano se la ubica y fotografía de tal manera que por la forma que toma y en el lugar en el cual se situa se la puede reconocer a su vez como una letra «L».

Esa letra «L» connota la palabra –loser- (perdedor), concepto tan nombrada y primordial en el programa, ya que de por sí, el mismo, es una competencia cotidiana.

Dicha seña que se genera con la mano, es realizada por los personajes, utilizada para decirles perdedores a sus compañeros y/o rivales. A su vez, la palabra «Glee», traducida al español es júbilo, una alegría que se manifiesta con signos exteriores (en este caso la alegría la trasmiten a través del canto); cuando un ganador le puede decir perdedor a otro es un momento de alegría, logro en su ámbito, expresando esa alegría con una simple seña corporal, reconociéndose como superiores; y esta alegría solo tiene sentido con su par opuesto que es el perdedor.

Una «L» con el mismo grafema que toda la palabra no hubiese trasmitido ni la mitad de significaciones que trasmite esta imagen; ya que esta imagen de «L» asocia la presentación del programa -imagen representativa- con el sentido del programa -ganadores y perdedores- y a su vez, con los personajes mismos que realizan constantemente este tipo de señas.

Una simple imagen puede trasmitir tantas significaciones como su forma y contexto lo permita; y esta forma es una de las variaciones tipográficas, la cual trasmite mayor cantidad de significaciones de las cuales le fueron atribuidas en el momento de crearla.

La incorporación de la «imagen como tipografía» modifica el sentido, atribuye sentimientos y funciona como un punto persuasivo para una programación que nos requiere como espectadores, pero nunca hay q abusar de este recurso, ya que seguramente perderá el sentido.

La belleza de la velocidad

Desde la invención del tipo móvil de Gutemberg, la mayor parte del diseño tipográfico tuvo una vigorosa estructura lineal, con una determinada forma de leer (de izquierda a derecha y de arriba abajo).

Fueron los futuristas los que rompieron con estas restricciones, con la tradición que estaba impuesta hasta este momento; inspirados en el dinamismo que marcó la sobreproducción de maquinarias a causa de la Revolución Industrial, lo que produjo una rebelión en todas las artes, poniendo de manifiesto un nuevo modo de comunicar.

La armonía fue rechazada como una cualidad del diseño, destrozando con la estructuración lineal y con la sintaxis del lenguaje, para dar lugar a aquel dinamismo.

La escritura dejo de funcionar solo como un modo de comunicar y comenzó a atribuírsele otras funcionalidades, como adoptar formas visuales concretas, que a su vez resultan expresivas.

Su principal preocupación fue liberar el potencial expresivo del lenguaje. Ya no se armaban oraciones; la puntuación deja de existir para ellos, obviando las sutilezas del lenguaje, dando lugar a entrecruzar cosas distantes sin vínculos que las conecten. Esto lo lograron con el uso de palabras libres esenciales, que dan lugar a que esas composiciones sean tratadas como puñados de palabras sin orden convencional y con la única preocupación de trasmitir cada una de las vibraciones y sentimientos del autor.

Los futuristas introducen las onomatopeyas para expresar todos los sonidos y ruidos de la vida moderna; revolucionando la armonía tipográfica de la página y  agregando una variedad de letras multicolor, proponiendo redoblar la fuerza expresiva de las palabras.

La combinación de todos estos nuevos recursos a las palabras y al lenguaje mismo, da lugar y comienzo a lo que es la tipografía como imagen, consagrándose los pioneros en este nuevo arte de comunicar.

La palabra, desde aquí,  ya no solo trasmite significaciones, sino que a su vez, su misma forma funciona como modo de expresión.

Adaptación tipográfica a los cambios tecnológicos / culturales

Año a año, los desarrollos tecnológicos han influenciado en nuestra manera de ver, pensar y actuar, induciendo indefectiblemente en modificar las maneras de comunicar.

Si focalizamos estos avances en el absoluto uso tipográfico, podemos observar como la tipografía se va adaptando a nuevos soportes y tecnologías, «caprichos» de usuarios que necesitan de esa adaptación para así poder ser persuadidos. Necesitamos seducirlo, y para poder hacerlo, requerimos lo novedoso, creativo o desconocido; y fue y es el diseñador, el encargado de realizar y conseguir este objetivo, esta adaptación a los cambios culturales producidos a causa de avances tecnológicos; lo que desencadena una evolución tipográfica, en donde cada nuevo diseño tipográfico va marcando el fiel reflejo de cada época.

La riqueza tanto gráfica como sonora, en las cuales se trabaja hoy en día es el reflejo de estas nuevas tecnologías a las que nos adaptamos a diario. Hoy, esta en pleno auge, atribuirle movimiento a las composiciones tipográficas, permitiendo narrar una historia a través de un tiempo y un espacio imaginario.

Podemos decir, que dicha evolución cultural/tecnológica modifica y seguirá modificando frecuentemente nuestra manera de informarnos, percibir y pensar en un nuevo mundo que se despliega a través de un espacio, tiempo y movimiento virtual; por lo que siempre dependeremos de la capacidad del diseñador de poder adaptarnos a esta evolución constante, resolviendo problemas comunicacionales que se generan cuando uno se topa con algo nuevo o desconocido.

«The Child»

http://www.youtube.com/watch?v=ZGWkdNWFZiI

The Child

Alex Gopher dj

Director: estudio H5 | Autor: Antoine Bardou-Jacquet

Mucho se ha hablado ya del valor añadido de la tipografía, pero no de este modo tan creativo e innovador de utilizar la misma; el video en si, muestra un mundo construido a través de la tipografía como imagen, tanto para crear formas, como para trasmitir significaciones; incorpora la cuarta dimensión para narrar una historia; palabras que definen formas, formas que trasmiten emociones, sentimientos que atrapan nuestra atención. Todo esto, acompañado de una perfecta sincronización sonora, que es en sí a lo que apunta el video, ya que el mismo fue requerido por el dj Alex Gopher para exhibir su nuevo trabajo musical.

Para quien no lo conozca tengo el placer de presentarles este video realizado por el francés Antoine Bardou-Jacquet hecho exclusivamente con tipografía en movimiento.

Representa la ciudad de Nueva York, en la que se narra visual y sonoramente la historia de un viaje en taxi de una embarazada que necesita llegar a un hospital para dar a luz a su bebe, pero que para ello deberá atravesar Manhattan,  una ciudad con muchas cosas para contar; se titula The Child

Este magnifico trabajo pudo ser logrado por la correcta elección de tipos, utilizando cada estilo para generar y trasmitir algo diferente; controlando sus variables de peso, tamaño, interletra, color (para generar luces, sombras y texturas), lo cual desplazado en una línea de tiempo incorpora la cuarta dimensión: narra en tiempo como a su vez en espacio a través del movimiento. Connota sin leer las palabras el sentido de cada forma, lo cual conforma, el sentido de la historia.

Genera una perfecta y sincronizada composición, legible en su totalidad, donde todas las palabras gritan y trasmiten significaciones que ayudan a construir y darle un sentido al todo.

Una historia tan simple y cotidiana, contada de una forma increíble que nos atrapa de un modo espeluznante.