«Tipografía como imagen. Evolución tipográfica en Argentina»

Nuestra propuesta de tesis surge de pensar porque y como fue evolucionando la tipografía como imagen y que  sucede con su  incorporación en la televisión.

Como primera instancia nos encontramos con un mundo que solo esta expresado desde la técnica, desde el oficio. Al ser esta técnica un recurso actual que nace del mundo del hacer, de la prueba y error del operador, no existe un corpus teórico que sirva de referencia para poder ver y tener en cuenta las características y los modos de trabajar.

Por lo que, lo primero que nos propusimos fue profundizar en los aportes teóricos que contribuyen a entender la adopción de este recurso,  y generar aportes propios (realizados en base a las entrevistas e información recaudada de diversas fuentes) en los que se explicite que es y cuales son las maneras en que se puede trabajar la tipo imagen en el mencionado medio.

Ellos nos cuentan cuales son las modalidades proyectuales que se deben llevar a cabo para trabajar la tipografía en movimiento.

Para la realización de los aportes teóricos referidos a la tipo imagen en movimiento seleccionamos diez estudios nacionales que trabajen para un mismo canal, ya que:

-Se requiere observar como los diferentes estudios resuelven con el mismo recurso tecnológico, una misma identidad pero contando y persuadiendo de maneras diferentes

Optamos por canal «Fox», ya que:

-Tanto su identidad como sus Id´s tienen un amplio trabajo tipográfico, utilizando como recurso primordial la tipografía en movimiento.

-Es un canal internacional, por lo que se podrá observar diferentes resoluciones para diferentes culturas, de una misma identidad, pero sometida por estudios de índole nacional.

Como segunda instancia, una vez que tengamos esta información, la cual la utilizaremos como aportes teóricos propios y toda una base teórica sobre los hitos que hacen a la  evolución de la tipografía imagen, nos detendremos en realizar una comparación de lo que por un lado, es la tipo imagen estática, y por otro, la tipo imagen en movimiento para rastrear cuales fueron las continuidades y cuales las rupturas de la técnica con el cambio de soporte y tecnología, con lo cual tendremos un análisis de dicha evolución desde lo estático al movimiento.

Por lo que nuestra investigación será de tipo comparativa/evolutiva.

A raíz de esto conjeturamos que:

-          Con la incorporación de la tipo-imagen en la televisión se producen cambios en la sintaxis visual y sonora, en el uso del tiempo/espacio/movimiento y en los procesos de codificación consiguientes, por lo que producen cambios importantes en las formas de producción y percepción.

-          Existen escasos aportes teóricos que den cuenta de este cambio, dada la velocidad de adopción de tecnología y su testeo constante  por parte de los diseñadores. Por ende, se requiere indagar sobre esta transformación.

La importancia de conocer la audiencia y el mercado

En su conferencia «Definiendo a la Audiencia», Jorge Frascara nos explica acerca de la segmentación de la audiencia:

«Comunicaciones genéricas, que intentan llegar a todos, llegan sólo a pocos, particularmente cuando se quiere afectar el conocimiento, las predisposiciones o las conductas de la gente. La eficacia comunicativa requiere la definición de una audiencia que sea substancial, alcanzable, reactiva y mensurable. El campo de trabajo y maestría del diseñador gráfico –centrado tradicionalmente en el lenguaje de la visión– debe extenderse para abarcar la comprensión de los diferentes lenguajes, necesidades, percepciones y valores culturales del público».

Es imposible concebir principios universales para el diseño de formas, cada mensaje se dirige a un público específico con determinadas competencias lingüísticas y visuales, una cultura particular, un contexto histórico único, problemáticas socio-culturales diferentes, e infinidad de otros aspectos que generan grandes divisiones en el mercado. Por esta razón es necesario conocer con exactitud el perfil de nuestro público para lograr concebir y construir mensajes y acciones que lleguen a esa audiencia y que generen un su pensamiento y en sus acciones la respuesta deseada.

Para poder establecer esta comunicación es necesario contar con una audiencia: substancial, es decir, un público lo suficientemente importante para llevar a cabo una campaña y obtener réditos económicos; alcanzable, evaluando los medios que más frecuenta la audiencia elegida; reactiva a los mensajes, receptores permeables; y finalmente una audiencia mensurable, para poder evaluar los efectos producidos por la comunicación ya efectuada.

Frascara propone algunas técnicas de segmentación de mercado que varían de acuerdo a tres dimensiones básicas: geográfica, que consta en diferenciar de acuerdo a países, o regiones dentro de un mismo país o diferentes grados de urbanismo, etc; demográfica, teniendo en cuenta diferentes indicadores demográficos como la cantidad de habitantes, sexo, edad, religión, etc; y por último la dimensión socio-económica, atendiendo a niveles económicos, educativos, profesionales, etc. Otro tipo de segmentación también propuesta por este autor es la de considerar características sociológicas a la hora de segmentar la audiencia, tener en cuenta variables como: objetivos, valores, expectativas que predominan en determinado grupo social.

«Definiendo a la Audiencia», Jorge Frascara

Variables gráficas: distinción, jerarquización y soporte

Todo objeto diseñado es, antes que ninguna otra cosa, una información para los ojos. En cualquier caso, la primera información que todo objeto transmite es visual, la cual es codificada a través de las variables gráficas. Las mismas son códigos lingüísticos y visuales utilizados para poder diferenciar, clasificar y acentuar los diferentes tipos de información.

Paul Mijksenaar, en Diseño de Información, nos habla de variables de distinción, jerarquía y soporte: «Se puede comenzar dividiendo las variables en dos categorías: variables jerárquicas, que denotan una diferencia de importancia, y variables de distinción, que denotan diferencias de tipo».

Las variables jerárquicas se pueden expresar mediante el tamaño y la intensidad, y las variables de distinción mediante el color y la forma; además existen elementos visuales (soporte) de ayuda, como áreas de color, líneas y cuadros, cuya función es acentuar y enfatizar.

Combinando las variables, se genera un amplio abanico de posibilidades en cuanto a composiciones para una representación de un mismo objeto; la elección de la combinación adecuada dependerá del sentido y la función que se le quiera aportar a la pieza. 

En los soportes masivos, son utilizadas para guiar la lectura, sin pausas innecesarias para poder interpretar una información, que solo con una buena esquematización pueda ser comprendida, utilizando, en nuestro caso, como base de distinción y jerarquización, el logo del canal, para luego, con diferentes variables jerárquicas y de distinción insertar las diferentes categorías de información para que no haya lugar a una confusión.

Fuente

«Diseño de Información» Paul Mijksenaar

Muestra «Lado B»

http://www.facebook.com/event.php?eid=109529555780478

 

Positivo y negativo, blanco y negro, «lado a» y «lado b». Una muestra de trabajos realizada por estudiantes de diferentes áreas del diseño, artistas visuales, no reconocidos como tales, exhiben su dominio y competencia en la línea y trazo, así como en las formas.

El nombre «lado b» proviene de la denominación de los tipos de canciones convencionalmente ubicados en cada lado del disco, siendo el lado A la canción principal, aquella que el productor del disco pretende que obtenga rotación en las estaciones de radio y con el tiempo se convierta en hit, y lado B a las canciones secundarias que no suelen aparecer en el albúm y que sirve como material inédito para promocionar la venta del disco, rellenar el espacio, pero al cual se le aporta una importancia secundaria.

Generalmente, en lo que es nuestra profesión, no hacemos lo que queremos, sino lo que se nos pide o necesita; mostrando nuestros trabajos, con la mirada de lo que el cliente o el cuerpo académico desea; y nuestras verdaderas pasiones / virtudes quedan despojadas, sin importancia; motivo por el cual se creo «lado b».

Desestructurados, informales, bizarros; no es casual que «lado b» sea una armoniosa combinación de arte con diseño, o como lo llaman algunos, arte clásico con arte contemporáneo. Un grupo de diseñadores (o casi) dispuestos a mostrar sus pasiones, alejadas de lo académico, sin pautas ni pretensiones, solo buscando expresarse visualmente.

Evolución de los títulos de cine y animación

Los títulos de cine son la unión de el arte de la cinematografía, diseño grafico y cultura.

Las primeras apariciones de los títulos de cine remontan a los tiempos del cine mudo, en donde las letras y las palabras juegan un rol fundamental, al igual que los títulos internos, los cuales ayudaban con la continuidad narrativa del guión.

En el año 1916 D.W. Griffith creo el film «intolerancia», que para muchos críticos es considerada la mejor película de cine mudo; 5 variaciones tipográficas que componen la pieza, alterando los pesos visuales, haciendo énfasis en la palabra «intolerancia» a partir del tamaño y fuente. Letras blancas sobre fondo negro (la mejor resolución para el tipo de proyector de la época).

Ya en la década de 1920 se comenzó a contratar a los llamados «artistas de la letra» y tipógrafos en la producción de títulos y tarjetas, los cuales comenzaron con la búsqueda de una coherencia entre la forma de la tipografía, con el tema y el espíritu de la época.

En 1906 S. Blackton, es uno de los primeros en recurrir a la animación para los títulos de cine, pero lo cierto es que las grandes innovaciones en animación no aparecen hasta mucho después de la Segunda Guerra Mundial.

Diferentes estilos, para diferentes significaciones; góticas para connotar horror, cintas y flores sugiriendo amor y tipografía tipo «wanted» para las películas del lejano oeste.

La incorporación del audio no revoluciono la forma de manipular los títulos (no inmediatamente).

Sin embargo, en aquel momento Oskar Fischinger, crea un film, en el cual se observa una subordinación del ritmo visual en base al sonido.

Figuras como Saúl Bass, Pablo Ferro, Maurice Binder y Richard Williams llegaron a escena en la década de 1950, momentos en los cuales, los estudios empezaban a perderse con la lucha de la TV.  En este momento, los cineastas actuaron de otra manera para hacer las cosas diferentes, extendiéndose completamente sobre nuevas ideas en cuanto a posibilidades en secuencia de títulos; en este momento nace la disciplina del diseño de secuencia de títulos de película.

Ya en 1960 los diseñadores de títulos fueron famosos por derecho propio; los mismos le aportaban un nuevo estilo, un tanto juguetón.

Saúl Bass, narrador y dibujante, recorrió toda la gama de técnicas para sus secuencias de título, y sea cual fuera la técnica que utilizaba, bajo resumen de la película como una metáfora que a menudo, brillaba de creatividad.

Luego, se comenzó a aportar mas importancia a las imágenes que a la tipografía; pero, la interacción de la tipografía con las imágenes no era ignorada. Las nuevas tendencias de 1950 fueron letras tridimensionales incrustadas en artefactos físicos.

Saúl Bass fue el que se acerco a utilizar un título principal (especie de logotipo).

En 1990, gracias a innovaciones tecnológicas, se pudo ver una nueva generación de diseño, lectura y escritura, llevada a cabo por creativos conocedores de la tecnología, dada por una mayor educación.

El titulo revolucionario después de esta innovación, fue «Se7ven» en 1995 por Kyle Cooper; fue nombrada como una de las innovaciones de diseño más importantes de la década de 1990.

El potencial de la gráfica digital y la tipografía ha atraído a algunas de las mentes más creativas de diseño en movimiento. Pixar y Disney han reservado parte crucial en la marca de sus películas para las secuencias de título.

Diseñadores gráficos como Susan Bradley, Jaimi Caliri, Dave Nalle, Michael Riley y Michael Curtis, bajo el uso de todo tipo de herramientas para probar diferentes enfoques para el diseño de títulos. Buscan una metáfora fuerte, para contar una historia emocionante con sus secuencias.

Por lo que, a lo largo de la historia del cine, películas han ido evolucionando con la industria cinematográfica, pero la medida de la calidad de un diseño de titulo, es el mismo ahora como lo era en la época del cine mudo. Sea cual sea la función que realizan, los títulos siguen siendo una parte esencial de la película.

Como diseñadores, sabemos que los primeros momentos del film pueden hacer una contribución muy satisfactoria para cualquier película y esta en nosotros saber explotarlos.

FUENTE

http://www.smashingmagazine.com/2010/10/04/the-art-of-the-film-title-throughout-cinema-history/